数码摄影入门基础知识

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目录：数码摄影入门之一首先要清晰2数码摄影入门之二准确的曝光6数码摄影入门之三黄金分割10数码摄影入门之四对称平衡呼应14数码摄影入门之五线条与三角20数码摄影入门之六名家名言25数码摄影入门之七用光的艺术31数码摄影入门之八光照度强弱34数码摄影入门之九光的方向36数码摄影入门之十逆光终结篇40数码摄影入门之十一光的方向45 数码摄影入门之一首先要清晰什么叫清晰，这是不是一个绝对的概念，因为我们的要求不同，我们对清晰的概念也是不一样的。这里联系到3个概念，即对焦精度、景深选择和抖动。对焦精度，现在的dc都AF了没有什么可以说的，除非你要拍的主体不在相机的对焦范围里，或者现场极度昏暗，AF还是可以保证质量的。除非你有更高的要求，比如获得超焦距等等，这些是高级手法，应该在无忌里讨论这里不讨论。其次是景深，说道景深就需要给出另一个概念：弥散圆名词解释：弥散圆：弥散圆.在焦点前后，光线不能汇聚到一个点，点的影象变成模糊的扩大的圆形光斑，这个光斑的外圈就叫做弥散圆。显然，当弥散圆的尺寸小到一定程度后，人眼将认为其是一个不可分辩的一个点。这时我们就会觉得在焦段前后一段距离里所有的像都是清晰的。这就产生了“景深”。景深内的弥散圆称为就称为容许弥散圆 可见容许弥散圆的概念是一个随着人观察分辩力的变化变化的，景深是随弥散圆的可接受程度在变化。偷懒一下具体公式、和解释在http://digi.pchome.net/2003/4/18/3_40226.htm里有详细的解释并配有图片。不多说了。最后是抖动说一个故事，15年前我初学摄影是在高中的兴趣小组，老师是印尼的归国华侨。那时的我根本没有兴趣听老师的理论课，仗着家境不错，就只会浪费胶片。在一段时间的拍摄后，一次少年宫有一个摄影比赛（俺那年代惨啊，这种机会是已经极难得的展示自己的机会了）黑白片子被要求必须放大到8寸以上才可以参加。在老师的放大机下，我的片子里的对焦不实和抖动被无情的放大到足够让我沮丧的的程度！这时我才知道老师说的那些“清规戒律”有多重要。 对持稳相机，我现在可以达到：相对135的50mm焦距下，手持1/4秒可能在LCD上看不出抖，手持1/30放大到7寸内看不出抖，手持1/125秒放大到A3幅面肯定看不出抖。正确的手持方法是用相机的眼平取景器，这时你的左手托住相机左肘紧紧的支撑在肋部形成一个3角，右手持握把手，右肘也紧紧的支撑在肋部也是一个3角，同时2支手臂也自然形成一个3角，有点物理知识的人应该已经感受到它的稳定了。手部动作：拇指控制多功能拨盘，食指轻轻放在快门上，调匀呼吸，就像扣动枪机，做到“有意瞄准，无意击发”此时高手已经达到人机合一的境界，十步一击，一击必杀！当然，绝对不抖是不可能，即使使用捷信，至少它还有按固有频率出现的震动吧，就看大家的要求了。 呵呵，题外说一个知识：最好防抖是使用专门设置的闪光灯，现在的闪光灯从点燃到熄灭可以轻易的达到1/1000秒以上，不少高级闪灯（这里说的高级是相对初级玩家的）达到1/1w秒也不希罕的，并且没有机械震动。 数码摄影入门之二准确的曝光曝光的定义，如果予以科学的解释的话，即是：光线的强度乘以光线所作用的时间。定义中的“光线的强度”，是指CCD受光线照射的强度，即照度（以I代表照度，单位是勒克司）。定义中的“光线所作用的时间”，是指感光片受爱线照射的时间，即曝光时间（以T代表曝光时间，单位是秒）。曝光量的计算单位是勒克司·秒。以E代表曝光量，即可得到曝光公式如下：E（曝光量）＝I（照度）×T（曝光时间）依据这一公式，若要取得一定量的曝光量，则光强度愈大，曝光时间愈短；光强度愈小，曝光时间愈长。如果光的强度增加一倍，曝光时间就需减少一半，假如光强度为2，时间为4，曝光量则为8；如果光强度为4，时间为2，曝光量仍为8。富士S2Pro拍摄，先对水面点测，手动调整到该值，曝光出现剪影效果。等量曝光我们清楚地了解这样一个浅显的道理：开戾得较大的光圈要比收缩得较小的光圈能让较多的光线通过镜头到达胶片上，较低的快门速度要比较高的快门速度能让光线较长时间地停留在CCD上。由此可以演变为以下情况：光圈f/1.8与快门速度1/500秒相组合，和光圈f/4与快门速度1/100秒相组合，所获得的曝光效果是一样的。它们又和中级光圈f/8与中等快门速度1/25秒相组合所获得的曝光效果是一致的。这就叫作"等量曝光"。上述三组曝光组合的曝光量是相等的，体现在底片上的密度是一致的，体现在CCD上的影调层次、色调还原与再现是一致的。但是它们三者之间在画面效果上存在着两个重要差别：一是由于光圈的大小形成了不同的景深；二是由于快门速度的高低构成动体影像的不同清晰程度。 由等量曝光的原理使我们知道，不同曝光组合的等量曝光，可以获得底片密度相同的曝光效果。然而，以摄影实践中，应该根据拍摄题材和被摄对象的不同，在可以产生相同密度的若干曝光组合中，选择最佳的一组曝光组合，来表现所拍摄的主题。这就是选择曝光的概念。贴一张我最近在曝光控制方面比较满意的pp，是室内离机闪光，先对闪光灯测光，然后对反光板测光，不断调整反光板的距离和角度使之光比相差2.5挡，后面背景在左上角有意受光产生虚影来平衡画面。那些富有经验的摄影家，从摄影的理论和实践经验中得知，尽管每组快门和光圈均能产生等量的曝光效果，而画面中景深与动体清晰程度却大不相同。具体采用哪一种曝光组合，必须认真考虑。是用较小的光圈去获取较深远的景物清晰范围呢？还是用较高的快门速度去抓取被摄动体的“凝固影像”？或是用极短的景深使背景虚化以突出主体？还是以较慢的快门速度增强动体的动感？等等。这一切都需要摄影者动脑筋来思考并加以选择，这决不是那些“自动相机”所能解决的，因为“自动相机”并无思维能力。具有形象思维能力的人可以得心应手地操作照相机去完成自己的构思，这或许就是相机的“自动曝光”与人的主动“选择曝光”的区别所在。什么叫准确曝光。正确曝光的含义简单说来应该是：在适当的时间里让CCD受到适当的光量照射。说到曝光不得不先说说亚当斯的区域曝光。风光摄影的泰斗美国摄影家A.Adams对摄影界最大的贡献之一就是创立了“区域曝光”的概念。不说了其实我自己也没有全部理解，里面的理论足可以写一本书了。但现在我的拍摄都是建立在这部分的理解上。 上一张照片的布光图我们为什么可以看到多变的图像几何结构？学过素描的朋友会很容易理解。图片无非是从白亮的高光到色彩饱和的中灰到全黑的暗部的连续的过渡。这种过渡让我们分辨出物体的轮廓。最传统的拍摄手法在数码领域依然是最有效的。当你看到一个画面你想要表现什么，也就说你想要它体现最饱和的色彩和最丰富的细节，就对准它点测，然后按照测试值曝光，出来的片子一般就不会让你失望。当然你如果希望其他部分也体现出一点细节，你就必须使用反光板、吸光板来使这些地方控制到你的CCD的宽容度的范围内，或者变换角度和等待光线的变化来减小光比。反之也一样，你如果希望某部位出现纯黑、纯白，那就让这些部位偏离曝光值5档以上，就可以看到你想看到的东西。明白点测和手动对一台相机的重要了吧。 下图是Adams的代表作《月升》尽管当时的技术条件，Adams不可能拍出现代照片的细腻，但是我们依然感受的到他对光线的自如控制。当然实际的拍摄没有这么简单。特别使纪实类的片子。你要限制光线，同时光线也在限制你，除非室内静物，完美的光线可遇不可求。但机会往往稍纵即逝。这时，经验变得很关键。包围曝光是一个有效的手段。但不是万能，至少包围测光不能改变客观光比。布勒松语“你得不停的改变角度”角度的改变不单单是为了改变构图，往往更多的是在改善光线对你的限制。可以利用的东西太多，比如水面的反光，白色的墙壁等等包括许多不可预见的情况，比如薄云可以使阳光变柔。写到这里我有点写不下去了，还是水平太浅，有许多东西只可意会不可言传，自己的思考还是重要。还是这句老话，关键是相机后你的脑子。 数码摄影入门之三黄金分割构图一词是英语COMPOSITION的译音，为造型艺术的术语。在《辞海》中，谈到“构图”为艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间，安排和处理人、物的关系和位置，把个别或局部的形象组成艺术的整体。在中国传统绘画中称为“章法”或“布局”。首先说构图里的分布和造型，这里不得不提到2个名词：九宫格和趣味中心经典的黄金分割，松鼠的前面留出空地，若有所思的生态跃然纸上，令人忍俊不禁说九宫格前先说著名的黄金分割自从古希腊人发现黄金分割以来这种比例就被认为是美学的最佳比例而得到广泛的应用。其实黄金分割是造型艺术中的一种分割法则。亦称黄金分割率，简称黄金率。它的分割方法为,将某直线段分为两部分,使一部分的平方等于另一部分与全体之积，或使一部分对全体之比等于另一部分对这一部分之比。即：在直线段AB上以点C分割,使(AC)2＝CB×AB,或使AC∶AB＝CB∶AC。 抽象主义摄影大师兰克运用的黄金分割实践证明,它的比值约为1.618∶1或1∶0.618，被称为黄金比。黄金比最早是由古代希腊人发现的，直到19世纪被欧洲人认为是最美、最谐调的比例。黄金比广泛用于造型艺术中，具有美学价值，尤其在工艺美术和工业设计的长和宽的比例(如书籍开本)设计中容易引起美感，故称为黄金分割。20世纪中，法国建筑师Le科布西埃发现黄金比具有数列的性质。他将其与人体尺寸相结合，提出黄金基准尺方案，并视之为现代建筑美的尺度。法国还产生了冠名为黄金分割画派的立体主义画家集团，专注于形体的比例。一幅我十分喜欢的摄影家的作品，是典型的绘画式完美构图 在实际运用中，黄金比多只采用近似值。最简单的方法是按照数列2、3、5、8、13、21……得出2:3、3∶5、5∶8、8∶13、13∶21等比值作为近似值。这种分割方法亦用于优选法。2个趣味中心之间产生呼应再说说九宫格，九宫格的源头可是我们中国人发明的一种构图模式，但巧的是它与黄金分割有着惊人的理论联系！大家们把画面的上下左右用黄金分割来做出4条线，我们惊奇的发现这就是我国古人所说的九宫格！ 看，整个主体分布在2和黄金分割线上人们发现在九宫格的4条线交汇的4个点是人们的视觉最敏感的地方，在国外的摄影理论里把这4个点称为“趣味中心”。顾名思义，被反复证明的是当被摄主体处于或发布在这4个点附近最容易得到“眼球”:)想象的出画面里的房子如出现画面中央pp就会无趣的多。 数码摄影入门之四对称平衡呼应说说对称、平衡和呼应在中国传统绘画中把构图结构称为“章法”或“布局”，“展纸作画章法第一”。位置经营如同围棋，下子格格皆可落，切勿乱迷。素纸也可处下落墨，切记不可胡乱抒笔。棋有棋路，画有画理，一笔走失如棋败局。古人将章法（构图）比作下棋，摄影变如此，也要有一定的章法与布局，置阵布势。黑格尔在《美学》中说过，“艺术家不应该先把雕刻作品完全雕好，然后再考虑把它摆在什么地方，而是在构思时就要联系到一定的外在世界和它的空间形式及地方部位”。1、水平位置，这样拍摄出来的影像不会歪斜，你可以以建筑物、电线杆等与地面平行或垂直的物体为参照物，尽量让画面在观景器内保持平衡。2、色彩平衡性良好，画面要有较强的层次感，确保主体能够从全部背景中突显出来。如补色平衡（下图），所谓红花绿叶配就是这个道理。同色平衡，穿黑色衣服的人一般不安排在深色背景下拍摄。 3、前景有均衡画面的作用。有时我们在画面上发现空缺不均衡的时候，比如天空无云显得单调时，用下垂的枝叶置于上方，弥补画面不足之处；有时画面下方压不住，上重下轻的时候，可用山石、栏杆做前景，色调深使画面压住阵脚，达到稳定、均衡的作用。前景运用虚焦点的表现手法，给人们一种朦胧美的感觉。4、空白。它是沟通画面上各对象之间的联系，组织它们之间相互关系的纽带。空白在画面上的作用，如同标点符号在文章中的作用一样，能帮助作者表达感情色彩。 画面上留有一定的空白是突出主体的需要。要使具有视觉的冲击力，就要在它的周围留有一定的空白。这可以说是造型艺术的一种规律。人们对物体的欣赏是需要空间的。精美的艺术品，如果将它置于一堆杂乱的物体中很难欣赏到它的美，只有在它周围留有一定的空间，它才会放出它的艺术光芒。一幅画面如被实体塞满，就会给人压抑的感觉，画面上空白留得恰当，才会使人的视觉有回旋的余地。“画留三分空，生气随之发。”就是这个道理。现实生活中，一切稳定的物体都有均衡的形式：桌子四条腿是稳固的；盖房子如下面小上面大，就给人一种不稳固的感觉；挑担子一头重一头轻，使人走路不便；劳动中人们的姿态显然是求得身体均衡以合乎这一劳动特点的姿态……。许许多多的生活现象培养了人们要求均衡的心理，并且在人们的审美过程中起作用。画面在一般情况下应该是均衡，安定的，使人感到稳定，和谐，完整。利用人们要求均衡的心理因素，可以从几个方面来强调画面的表现力：a、对称式构图，对称一直是我们民族强调的东西，历来的皇宫。都城都是对称布局的。它强调一种庄重、肃穆的气氛，“四平八稳”的对称均衡中显示出一种古朴的庄重的关系。 庄重场合的对称应用 b、虚实呼应式布局，就像江南园林。在一些强调幽雅、恬静、柔媚的抒情性风光画面中，要求的是变化中的均衡画面上可以有疏有密，有虚有实，但整体要求是均衡的。一幅田园风光里比如左下角有一头耕牛，右上角的天空里最好应该有一片云。呼应就说不清了，大家看图自己感觉吧。对比和反差也是常用的平衡手法，记得有一幅名作是一只白胖的白人的手握着一个非洲饥民小孩的手（在网上我找不到这副pp，只能让大家想象了）震撼着每个人的心灵。大小对比的效果，为了充分表现pp的内容，使观众对主体形象有鲜明印象，往往需要采用大与小，长与短等对比手法来加以表现，看下面的pp是一支镜头，孤立的看它，有点像一只手电。再看这里，老外肩上的就是这支镜头！这就是对比的效果。 数码摄影入门之五线条与三角人们在构图中还经常采用一种“定向线簇”，它常常能收到“光芒四射”的效果。在大多数情形下，它把观众的视线引向主体，其完整的效果形成了一种从主体沿着直线向外放射的气氛。这是一种达到形象化效果的简易方法。摄影构图的另一基本技巧，是运用能将观众带入画面的“内引线条”。虽然内引线条有许多复杂的形式，但最易于识别和最易于获得成功的是C形、S形及富于透视感的斜线。“C形线条也是一种有效的内引线条，但拍摄时须注意透视线条不得从任何一个底角弓I入。一般而论，内引线条不得从任何一角开始，而要从底边中心略偏一处的某测开始。”至于S形线条，也有人称之为“形体线条”。这是霍加思最先作为一种优美的构图线条提出的。因为它来自妇女的优美身段：一种稍稍拉长的“S”形。作为——种常用的构图线条，它确实能给人以深刻的印象。S形线条的魅力在利用线条进行构图时，有一点须引起注意，即画面中的直线，特别是和边框平行的直线，不能毫不间断地从画面的一边伸向另一边。否则，很容易出现下列的情形：原来的意图是只想拍一张照片，而结果却好像是两张互不相关的底片印到了一张相纸上。这个问题在拍摄自然景物时，例如在地平线居中，天空和地面各占一半画面的情况下最容易发生。如仍纠正这种毛病?在美国摄影家B·克莱门茨和D. 罗森、菲尔德合著的《摄影构图学》一书中指出，只要使“这种直线的延续性中断，而且使某一部分画面的图形伸进另一部分画面，照片的整体感就会牢固地建立起来”。对角线的构图是一种导向性很强的画面，使用这种构图往往是作者希望把读者的目光明显的导向某事物，或表现线条本身的魅力，因为大家都知道矩形画面里最长的线条就是对角线。还有一个常用情况就是当2个趣味中心不明显但需要产生某种联系的时候，作者也需要一种形式来关联他们。看图，是体现桥梁宏伟的名片，闪光的桥梁主体横跨2个角似乎要跨出画面的外面。对角线构图的导向性突出了蜻蜓前文里提到的留空白，常见的留空白往往是一个几何体，而几何体里最简单，最善于表达情感的非3角形莫属，正3角形往往表达一种稳定的情绪，多用在建筑，成年男子，成功人士等场合。这里如果有年纪大一点的人可能还记得当年的课本里有一幅描写大庆劳模王进喜的图片就是使用里正三角的构图，表现主体的刚毅和力量。 非稳定的三角构图，可以活泼画面，多用在多变的女人身上，下图就是一个范例。当然也有用这种构图来渲染一种不稳定的、烦躁的情绪，但我没有找到合适的图片示范。下图就是正3角使孩子的滑行让人看了有动感又不乏稳健。终于找到一幅大师级的片子，全文摘录评论如下：这是一幅大胆得出奇，又严谨得出奇的摄影佳作。 被摄者史特拉汶斯基是作曲家。为了拍好他的肖像，作者绞尽脑汁，精心构思。和这张照片的相同的场面，他拍摄了许多张，包括多种角度、动态、距离、构图的，最后选定了现在这一张，并进行了大胆的剪裁，最终如我们现在所看到的画面。这幅作品好在哪里呢？我们认为作品给人的第一印象是新颖别致，画面上人物占极小部分，而且处在左下角；在浅色背景衬托下，人物以外的琴盖和支柱倒占了画面的大部分。纽曼采取这种新颖的构思，别致的构图，并不是挖空心思，凭空杜撰出来的，它有一定的生活根据。谁都知道，作曲家和钢琴几乎是二而一、一而二的关系。把主人公安排在琴房这个环境，应该说是再合适不过的了。关键是人物在画面上占据的面积大小问题。纽曼的这种处理包含了某种艺术的辩证关系在内。我们知道，有的物象在画面上占据面积大，可能是画面主体，也可能不是主体，有的虽然看来显得小，倒可能是主体，这就看作者如何处理作品题材内涵和动工构成因素了。一般说来，有生命的、起主导作用的、运动着的、富有变化的，总是更重要、更突出些，相反的情况总是显得重要性不如前者。而在艺术表现上，形体虽大，如果只是属于陪衬物体，又能起着引导视线、突出主体的作用，那么，大的看似为大，实际在观赏者心目中显得小，而小的表面看似小，实际上在观赏者心目中觉得很大。纽曼正是这样理解和处理这幅作品的人和物的关系的。作者为什么只取钢琴的上部而不取下部，人物置于一角而不居中？"我们认为，这出于以下考虑，一是琴面、琴盖、支柱有概括意义，已足以交待主人公的职业和身份；另一方面，从艺术上考虑，为了运用形式美的规律构成画面，人物、琴盖、支柱和琴面构成的三角构图，能够吸引人的视线，引导人们的视觉运动，形成以人物为中心，由人至支柱再到琴盖，两个三角形构图关系，这样既突出了主体，又为读者广泛联系和回味提供时空条件。这是符合观众的欣赏心理的巧妙的艺术处理。"注：这是一幅利用剪裁构图进行二次创作的经典之作，可以说，如果没有作者事后如此大胆、开放、新奇的画面选择，这幅照片就没有至今如此深远的艺术价值。有力量的正3角构图的又一大师级范例，来自美国著名记者罗森塔尔这是一幅不朽的摄影艺术图像，它虽然是新闻记录照片，但由于它抓住了一个感人的历史场面，一个动人的伟大瞬间，便赋予了它极大的概括力量和象征意义，因而具有新闻价值及文献价值，同时也有极高艺术价值和审美力量。 数码摄影入门之六名家名言各大名家说构图（加了点个人理解，不足的地方请大家指正。）有些人或许对构图有天赋。不过，根据美国摄影家维利·奎克的看法，几乎所有的人都能够通过应用一些基本法则，达到具有相当水平的摄影构图能力。为此，他提出了一些简单的方法。他认为，依据这些方法，任何人都能在短时间内学会拍出较好的照片。 维利·奎克指出，摄影者最易犯的错误是拍摄点取得过高，与被摄体离得太远，致使画面出现各种各样与拍摄目的毫无关系的东西。他说：“请记住，画家是把东西画进画面，而摄影者则是从画面去掉一些东西。”他说：“一张照片应该只有一个趣味中心，画面上不能有无用的东西。如果你对某个物体是否有助于画面抱有怀疑，你就应尽可能地把它放弃掉。”这里就是人们常说的摄影是“减法的艺术”奎克认为：“这并不是说，趣味中心非得准确地置于交叉点上不可。正因为如此，实际上趣味中心常出现在交叉点附近。” 奎克指出：“每一幅照片都应保持一定的平衡。这就是说，对主要被摄体的安排，不能使画、面出现向分量大的一边倾倒。但平衡并不意味着将两个同样大小和同等形状的东西置于对称的位置。这里的关系，只要你看一下在玩跷跷板的孩子就知道了。跷跷板两边的孩子，小些的一个必定坐在离中央远些的地方，而大的孩子肯定坐在靠近中央的地方。”  奎克认为：“把突出的线条安排，指向趣味中心，是拍摄一幅悦目照片的另一个要素。这些线条被称为主导线，有效地利用主导线，可以创造出惊人的照片。把主导线安排成对角线，会产生有力的动感。 “线条常常在照片中提供一个边框。这可以通过选择视点来进行，例如在树下通过树枝框住画面上的被摄主体。此时通常使用小光圈，以使整幅照片清晰。这样做，也有可能使边框过于突出，但安排适当，会得到好照片。 “在一幅照片中，地平线的位置会给人以强烈的印象。拍摄时，地平线要尽量避免处在照片的等比线上，因为这样做会把照片均分为两半，给人以呆板的感觉。 地平线处在画面下方，会给人以宁静的感觉，而处于上方，给人的感觉则是活泼、有力的。“此外，横幅画面可以产生安宁、平静的感觉，而竖直画面则会产生动态效果。” 奎克认为，以上方法如果运用得好，你的照片将会出现明显的改观，而且随着时间的推移，你很快就会学会鉴赏构图，从而为你增添摄影的乐趣。达柯认为，有时“如果线条与视觉产生了共鸣，一簇线条本身就能成为一个主体”。美国摄影家L．小雅各希斯认为：“构图是从摄影者的心灵的眼睛做起的。构图的过程也被称为‘预见’，就是在未拍摄某一物体之前或正在拍摄的时候，就能在脑海中形成一个图像或印象。通过经常析自己和别人的作品的构图，就会使自己的这种预见本领更加娴熟，变成一种本能。”这就是我常说的用脑子拍照。 线条构成画面奥地利摄影家伊涅斯特·哈斯对此也有同感，对于构图，他己达到手中无剑，剑在心中的境界，他认为、“构图在于平衡，每个人对平衡的处理都各有不同。”正如同武功达到最高境界时，已没有招式名称，只凭自己的功力去化解。他认为：“你越能忘记你的器材，就越能集中你的题材和构图，这时相机只是你眼睛的延续，再没有其他意义。”小雅各布斯还认为：“构图的最基本的因素是线条、形式、质感以及这些因素之间的空间。当然色彩同样也是不可忽略的因素。会聚的线条一般能说明透视关系，但并不是所有的照片都非要表现出透视的深度不可。许多杰出的作品都是平面图案。在取景器中的某个景物或人物的肖像，都是根据摄影者个人的感受进行安排的。就是所谓摄影里所有的控制是服务于你想表达的情绪。 色彩的平衡很重要“在大多数情况下，每幅照片中都有一个或一组形状或形式起主导作用，而照片中的色彩、体积、位置和其他形状等，都是为主导因素服务的。……构图中的对比，是指大与小、明与暗、近与远、主动与被动、平滑与粗糙、色彩的浓艳与轻淡等等的对比。要多利用这些相互对立的因素，通过它门使主体影响整个构图。例如，恰当地利用对比法则，照片就会具有强大的魅力。” 摄影家瓦尔特·德·格鲁伊特对摄影构图作阐述。他认为：“每一种构图都是以排列次序为基础的，就像我们从哥士达心理学和信息学原理中所了解到的那样，构图可以用多种方法获得。它产生于相似事物的组合以及对相反事物的强调。排列次序并不是千篇一律的，形态和色彩的疏密和对比也会产生排列次序。排列次序是以一种美学上的均衡为基础的，而均衡则从复杂、矛盾和动态之中造就和谐。”线条的引导作用，所有的线条汇聚到中心主体 他说：“任何人，只要懂得把照片分成单个的构图成分，借以得出它在美学上的一致性和合理性来审查照片的具体效果，就都会成功地创作出好的作品。" "要获得令人满意的照片构图，须经常分析照片。”他提出的分析照片构图的最重要标准是： 1．人物和环境的关系以及反差情况。2.照片所传递的信息的价值以及类似事物。3．照明和纵深。4.突出的线条和照片的画幅。对于如何获得较好的摄影构图，格鲁伊特提出了以下重要建议：a．画面所提供的信息不能造成视觉上的混乱。 b．人物和环境的关系要有助于传达照片的意图。 c．应当避免由于人物和环境之间的含糊关系而可能产生的错觉。d．明与暗的关系或者彩色对比的关系是非常重要的。 e．除了人物和环境在形式上的关系之外，对人物和环境的心理上的权衡也是十分重要的，因为每个视觉印象都立即作出喜欢或不喜欢的判断。无偏好的估价意味着根本没有反应。 茉莉mm的“光绘”f．表现与我们熟悉的物体相类似的东西，使人容易辨认，从而能比较迅速地予以理解。因此，重复内容是必要的。g．照片的复杂程度一定不能太低(感官刺激不够)，也不能太高(感官刺激过分)  h．每个人对每幅照片的美学评价总是不一样的，而且这种评价是受感情支配的。它在很大程度上取决于观众的认识，他的经历和他的敏感性。 i．形式主义和时髦风尚是不能持久的。这种缺乏独创性的缺点，是不可能用技术补偿的。 j．照明、透视、重叠和影纹的层次变化，有助于在二维空间的平面上体现出明显的纵深感。k．不寻常的透视效果，有助于使照片生动活泼。 l．有意识地使用突出的方向线和选择适合主体的画幅，会加强照片的效果。 数码摄影入门之七用光的艺术说白了，玩摄影就是在玩光线。就如同素描，光线的表现力就是一幅好pp的“魂”下面先讨论几个概念：任何一种光线都存在着三个要素，即强度、方向和色调。光的强度强度描述的是光线的强弱程度，各种光源所发出的光线都有一定的强度。强而直接的光会造成明显的阴影，并且清楚呈现出物体的轮廓，所以常用来勾勒物体轮廓；强光也可增加被拍摄主体的明暗、色彩对比。弱而散的光可以减弱被拍摄主体的明暗对比，使物体表面看来平滑细致。对于摄像的照明，在影室内，强光源常常要作为主光来使用，是拍摄照明的主要来源。而弱光源要作为辅助光来使用，它可以减弱主光所造成的强烈阴影，同时不至于投射出多余的影子。但是光线过强，往往收不到很好的效果，因为强光下形成的阴影会过于夸张，光影效果不自然。拍摄时，如果光线过强，可以通过加装漫射屏或反射板等方法，来削弱光线的强度。和强光相比，散光的光影效果较为柔和自然。可以使主体受光面均匀，反差适中，受光源的方向性局限小。另外还有一种光线就是所谓“漫射光”阴天里的那种没有明显方向性的光线就是所谓漫射光。漫射光不像前面提到的那2种光源，它几乎是没有阴影的，著名摄影家布列松就是驾驭漫射光的高手。下图左－>右。1、强主光清楚的勒出轮廓2、自然漫射光，基本看不到阴影。3、著名摄影家韦斯顿的作品《辣椒》运用了带柔光罩的有方向的光源，有柔和的光影体现。 下图是我老妹从丽江回来带回的骨头雕刻品。其实你们看到原物的时候会觉得它是如此的平淡无奇。原来我是想试图用黑白片子拍摄，但恐怕拍不出天然骨头的质感，最后决定使用100VS反转片来拍摄。初看似乎反转片的狭小宽容度使得大量的细节隐没在了黑暗中，但是一种情绪得以抒发：这根雕像好像来自地底深处，骨头的质感和雕刻笔触的韵味得到了夸张，似乎代表了一个民族的古老和质朴。永江500w影室灯照明，使用自制的遮光罩把光线压缩到只有2cm直接投射到主体的胸部，另一侧使用全黑植绒吸光板防止光线反射。尽管画面组织还有欠缺，但是有叛逆韵味的强光运用范例。一般表现花卉和mm的pp大多使用相对柔媚的光线。的借用网上的pp，这张pp虽然给人一种“为赋新词强说愁”的感觉，但是用在mm上的光线却是经典。大家以后拍mm还是多用这类光线，呵呵，还是比较讨好的。 数码摄影入门之八光照度强弱夏天中午阳光最强的时候，室外光照度可达到100000lux以上，很容易形成明显的阴影，这并不一定是一个很理想的拍摄环境。而大多数室内照度都在300lux以下。照度不但同光源的发光强度有关，而且和光源到被摄主体的距离也有关。一般情况下，当被摄主体到光源的距离不变时，被摄主体的照度与光源的发光强度成正比；相反，当光源的发光强度不变，但与被摄主体距离发生变化时，被摄体上的照度大致与距离的平方成反比。使用闪灯时的光圈变化就是根据这个原则来的。还有一个法则就是：当一个光源照射于前后两个主体上时，光源越近，那么这两个主体获得的照度差异越大；光源越远，这两个主体接受到的照度越接近。这样的变化在上期的“构图”里得到了运用不同的反差，会造成非常强烈的视觉冲击。说到这里我希望大家不要和上期说的概念做混淆，上期说的是光的方向性，照度是指强度。2者有相当的联系，但，是不同的。强光更加容易得到方向性，可是如果假如满屋这个方向都是5wlux的强光拍出来的pp也是没有方向的用光。又比如在微距的环闪下所有的影子都被“消灭”此时又何来的方向？相反，窗边的肖像，不要看室内的照度相当弱，但是方向性极强，常常用于刻画成年人的稳重和矜持等。现在就光的方向做具体的分类。所有的光都具有方向性，这个概念容易理解。根据光源与被摄主体和摄像机水平方向的相对位置，可以将光线分为顺光、逆光、侧光三种基本的类型；而根据三者纵向的相对位置，又可分为顶光、俯射光、平射光及仰射光四种光线……下图就是强光下没有明显方向的范图，是我给别人拍的产品，纯粹的商业片，没有艺术可言，不过物件的质感体现的不错。 下图就是弱光下的“方向”感很强的pp最后一张是小图，是给某著名家电厂的客服小姐，图片已经买了，怕惹麻烦所以用小图。是典型的软光人像。拍摄的时间是昨天下午雨下的最大的时候在工厂的车棚里，光线很昏暗，mm倒是笑得很甜。 数码摄影入门之九光的方向1、顺光相机与光源在同一方向上，正对着被摄主体，使其朝向镜头的面容易得到足够的光线，可以使拍摄物体更加清晰。根据光线的角度不同，顺光又可分为正顺光和侧顺光两种。正顺光就是顺着镜头的方向直接照射到被摄主体上的光线。如果光源与相机处在相同的高度，那么，面向摄像机镜头的部分全部能接受到光线，使其没有一点阴影。使用这样的光线拍摄出来的影像，主体对比度会降低，像平面图一样缺乏立体感。在这样的光线下拍摄，其效果往往并不理想，会使被摄主体失去原有的明暗层次。这里就不给图了，绝大多数的机载闪灯照明下的照片就是这种光线。而侧顺光就是光线从相机的左边或右边侧面射向被摄主体。在进行拍摄时，侧顺光是使用单光源摄像较理想的光线。多数情况下一般用25°～45°侧顺光来进行照明，即相机与被摄主体之间的连线，和光源与被摄主体之间的连线形成的夹角为25°～45°。此时面对相机的被摄主体部分受光，出现了部分投影。这样能更好地表现出人物的面部表情和皮肤质感。既保证了被摄主体的亮度，又可以使其明暗对比得当，有了立体感。台湾影楼那种很“靓”的照片大多是这种光线。2、侧光 侧光的光源是在相机与被摄主体形成的直线的侧面，从侧方照射向到被摄主体上的光线。此时被摄主体正面一半受光线的照射，影子修长，投影明显，立体感很强，对建筑物的雄伟高大很有表现力。但由于明暗对比强烈，不适合表现主体细腻质感的一面。不过许多情况下这种测光可以很好的表现粗糙表面的质感。3、顶光、俯射光、仰射光顶光通常是要描出人或物上半部的轮廓，和背景隔离开来。但光线从上方照射在主体的顶部，会使景物平面化，缺乏层次，色彩还原效果也差，这种光线很少运用。尤其是在那些“到此一游”的人像片里，正午的照射光线往往会使人物的鼻子下方和眼袋下面出现极重的阴影，非常难看，所以需要表面这种情况的出现。当然特殊情况下顶光运用的好也有成功的范例。 俯射光是这三种光当中使用最多的一种。一般的照明在处理主光时，通常是把光源安排在稍微高于主体、和地面成30°～45°角的位置。这样的光线，不但可以使主体正面得到足够的光照，也有了立体感，而形成的阴影也不会过于明显。不过这种光线很少单独使用，大多是在影棚里与其他辅助光混合使用，如与侧顺光位配合等，会产生很好的效果。还是不给图，大家把自己的婚纱拿出来里面就有不少是广泛使用的，我的图片就不贴了，避免麻烦。仰射光又叫底光、脚光，也是一种不多见的打光法。将光源置于主体之下向上照射，会制造一种阴森恐怖的效果。一般电影中使用较多，为了刻画反面人物的阴险可憎，往往会使用很硬的底光。这就不给图了，想要看效果的朋友可以在晚上面对镜子用手电从自己的下巴向上照看看效果。不要用这种方法来吓mm哟！不道德的。摄影中的逆光我个人认为是最俱表现力的一种光线，但使用上最复杂，难度也最高。所以在下一期单独列出解释。 数码摄影入门之十逆光终结篇逆光包括全逆光和侧逆光两种。它的基本特征是：从光位看，全逆光是对着相机，从被摄体的背面照射过来的光，也称“背光”；侧逆光是从相机左、右135°左右的后侧面射向被摄体的光，被摄体的受光面占1/3，背光面占2/3。从光比看，被摄体和背景处在暗处或2/3面积在暗处，因此明与暗的光比大，反差强烈。从光效看，逆光对不透明物体产生轮廓光；对透明或半透明物体产生透射光；对液体或水面产生闪烁光。逆光下的植物边缘体现质感如果我们能将逆光摄影的手段运用得当，对增强摄影创作的艺术效果无疑是很有价值的。摄影的本质是光，光是摄影的命脉和灵魂。刘半农先生曾说过：“景物虽好，而不能采取适当的光，画面仍是死的。”　　摄影中的逆光我个人认为是最俱表现力的一种光线。它能使画面产生完全不同于我们肉眼在现场所见到的实际光线的艺术效果。它的艺术表现力主要有如下几个方面：第一，质感。特别是拍摄透明或半透明的物体，如花卉、植物枝叶等，逆光为最佳光线。因为，一方面逆光照射使透光物体的色明度和饱合度都能得到提高，使顺光下平淡无味的物体呈现出美丽的光泽和较好的透明感；另一方面，使同一画面中的透光物体与不透光物体之间亮度差明显拉大，大大增强了画面的艺术效果。这种效果在这里许多朋友拍的花草微距PP里得到了广泛的应用。 表现的暖调的阳光第二，能够增强氛围的渲染性。特别是在风光摄影中的早晨和傍晚，采用低角度、大逆光的光影造型手段，逆射的光线会勾画出红霞如染、云海蒸腾，山峦、村落、林木如墨，如果再加上薄雾、飞鸟，相互衬托起来，在视觉和心灵上就会引发出深深的共鸣，使作品的内涵更深，意境更高，韵味更浓。第三、视觉的冲击力。在逆光拍摄中，由于暗部比例增大，相当部分细节被阴影所掩盖，被摄体以简洁的线条或很少的受光面积突现在画面之中，这种大光比，高反差给人以强烈的视觉冲击，从而产生较强的艺术造型效果。我说过多次，摄影是减法的艺术，而逆光就是一把很好的“剪刀”。它能使背景处于背光之下，曝光不足，色彩还原差，使背景得到净化，从而获得突出主体的效果；它还能生动地勾勒出被摄体清晰的轮廓线，使主体与背景分离，突现被摄体外形起伏和线条，强化被摄体的主体感；还有，它能深入地刻画人物性格，由于整个画面受光面积小，面部与身体的大部分处于阴影之中，形成以深色为主的浓重低调画面，有助于表现人物深沉、含蓄、肃穆或忧郁的性格。同时，由于影调反差对比度较大，明暗光线布局强烈，既可使人物面部的某些缺欠借助强光加以冲淡，又可利用背光的暗影予以隐匿，以取得扬长避短之效。 世纪之光在逆光下别有韵味第四，能够增强画面的纵深感。特别是早晨或傍晚在逆光下拍摄，由于空气中介质状况的不同，使色彩构成发生了远近不同的变化：前景暗，背景亮；前景色彩饱和度高，背景色彩饱和度低。从而造成整个画面由远及近，色彩由淡而浓，由亮而暗，形成了微妙的空间纵深感。第五、前景的逆光运用。反光篇里面前景作为陪衬，处理成没有细节的逆光剪影效果是比较聪明的手段。这样既交待了物体的轮廓，又避免了前景对视觉中心的干扰。 侧逆光造就低调肖像逆光拍摄的曝光是比较难控制的。主要是它的反差大、变化多，而且主要部位大都处于阴影之中所至。因此在逆光拍摄中，一是曝光时不要被画面中大面积阴暗背景的光线所欺骗，而应以被摄主体的亮度读数为依据，其余在所不计。但最关键是你想要表现是么！比如在逆光人像时如果是拍摄低调类的肖像pp时，则应以人物的高光部位为测光依据，并且有必要的话。还要应选择适当的辅助光(用闪光灯或反光板等补光)。但是你想表现剪影效果时，应以明亮的背景亮度作为曝光依据。拍摄日出、日落、霞光的时候，则应以太阳的亮度为测光的主要依据。四是逆光拍摄花卉时，应选择较暗的背景予以反衬，以造成较强的光比反差，强化逆光光效，达到轮廓清晰，突现主体的艺术效果。五是由于相机还对着强光源，要注意眩光的干扰。应有遮挡措施(用适当的尽可能长的遮光罩，或用手、帽子、纸板等在镜头前遮挡)，或略向旁偏移，调整为拍摄角度等办法，防止太阳或灯光直射镜头，使眩光消失后再按动快门。这时相机上的诸如点测、手控曝光等功能就有用武之地了，精确的测量每个元素的光值，正确的评估总体的曝光量变得格外的重要。标准就是“你到底想要表现什么”。 逆光的荷花，从背景里“跃”出来了呵呵，文章写到这里就有点回复到前面“曝光篇”的内容了，对一张好的pp就是这许多基本技法的协调统一，所有的焦点选择、曝光控制、用光、构图都是围绕着主题的需要，通俗点说就是“你到底想要表现什么”把自己看到景物时候的感觉和冲动如何准确传达给每个观看的人。数码入门基础系列今天正式结束了，也该结束了，我其实有点后悔把这个系列搞的这么长，特别到了后几期，大家的期望值越来越高，我的心里总有一种欠债的感觉，恐怕出来的文章不得到大家的喜爱。希望这几篇入门文章对大家拍摄水平的提高会有帮助。你们的成功就是我的快乐。这是我为我的公司提出的口号，我希望这里也是。少点无谓的争论，多用你们的眼睛；少点对自己机器的不满，多点合理运用自己的智慧。我相信哪怕是1000圆的dc也会出让人满意的片子。 逆光下，通透的叶片 数码摄影入门之十一光的方向在传统的胶卷相机拍摄过程中，曝光正确(这需要很多的理论知识和一段时间的经验积累)是非常重要的，获得正确的曝光主要依赖于准确的测光。而对数码相机来说，由于拍摄效果马上可以看到，有的还可以采用包围曝光，而且可有后期的数码调整和制作，因此在拍摄时有更大的自由度。相对来说，DC拍摄时压力比较小。但是，在某些场合一次就掌握正确的曝光量是非常重要的，尤其在抓拍一些转瞬即逝的精彩画面时；另外很多色友对数码暗房的技巧不是很熟悉，因此最好是一次就获得正确的曝光，况且如果拍摄时没有得到足够的细节，后期处理也是很困难的。在我们过去的文章对，已经对各种测光方式已经有了基本的认识，但在有些情况时仅通过测光好像也不能得到正确的曝光结果，这时候掌握曝光补偿就是非常必要的了。很多像我一样的菜鸟摄友对曝光补偿不是很明白，尤其在具体使用时应该加还是减不是太清楚，有一些朋友从来就不用曝光补偿，下面我们通过一组实验直观地体会曝光补偿的原理，然后大家就可以经常实践逐步熟练掌握曝光补偿，拍出更满意的照片。首先我们要了解传统胶卷摄影时，有目的的曝光分正确曝光和准确曝光两种。准确曝光即按胶卷所需的曝光量进行曝光，这时的曝光数值是按把被摄物再现成18％反射率（中性灰）的亮度进行的，这样可以最大限度的获取丰富的影调和层次，这是一个客观的曝光量。正确曝光是指在准确曝光的基础上为了达到某种特定的效果对准确曝光值进行的修正。由于我们得到的反射曝光值是要把被摄景物再现成18%灰的亮度，所以这时对白色物体来说就会曝光不足，拍出来后会变成灰色（不够白）,而对黑色物体来说就会曝光过度，拍出来也是偏灰（不够黑），这时我们就要根据所要表达的主题对曝光量进行适当的增减，这是一个主观的曝光量。那么曝光补偿的目的主要是修正客观测光的结果以达到主观设想的目的。通常的情况下我们用EV值量化曝光量，至于EV值的概念很多地方都谈到，大家可以自己看，这里就不说了。从上面的描述大家可以体会到曝光补偿是在测光结果的基础上考虑的，因此曝光补偿和测光方式是紧密联系的，在对各种不同测光方式已经清楚了解的前提下，下面我们以富士FinePixS602（在A、S、P模式下补偿范围是从－2EV以1/3EV为步长到+2EV）作为试验机来直观体会看看曝光补偿到底是怎么回事儿。以下不加特殊说明一般都用点测光方式，因为点测光对局部EV值的评价比较容易掌握，其它测光方式可参照进行。首先请各位调校一下自己的显示器，注意下面的图片(转自http://www.dpreview.com/)，调整显示器使下图中从最亮到最暗的细节都能区分清楚。在PHOTOSHOP中建这样一个文件，中间占总面积不少于4%的部分以18%灰度填充，上下各贴一个从R:G:B=250:250:250到R:G:B=25:25:25均匀分布呈16段不同灰度的灰度卡作参考，其余部分以白色填充。此图参考了AGFA公司的IT8标准色标卡（Kodak也有类似的色标卡），大家可以根据自己的条件修改此图，修改前请参考[url] http://www.dpreview.com/reviews/fujis602z/page11.asp[/url]中有关白平衡的测试样片。由于手头没有现成的色标卡，把上图冲印到6寸相纸，16阶灰度应该可以清楚的分辨出来，用相机拍摄，拍摄参数：光圈F7，快门1/600s。 大家观察拍出的结果，尽管亮度和上面的有很大的不同（不过这是由显示器输出特性、数码冲印本身的灰度误差，相机本身宽容度、拍摄环境等因素限制的），不过灰度卡上的16阶灰度的细节都可以分辨出来，所以这个曝光组合基本是合理的，大家可以试试调整组合看能不能得到比这个更多细节的结果，虽然输出的18%灰度不一定准确，但中央色块的灰度和上下灰度卡最亮最暗处的相对程度不会有太大变化。考虑到显示器的特性差别以及个富士FinePixS602的点测光原理其实就是以18%灰（中性灰）再现取景框中心约4%左右面积部分被摄景物的亮度，此处所指中心4%左右面积的部分是点测光取样的区域，不同相机这个比例有所不同。测光系统是没有视觉的，它是针对通常的被摄景物设计的，也就是说当取景框中心约4%左右面积部分景物恰好是18%反射率的中性灰或者其综合亮度是呈18%中性灰时，按测光读数进行曝光可以最大限度的表现景物各种亮度层次的曝光。把上面做的图片中间部分代之以白色填充：输出后再拍一次，参数：光圈F7，快门1/850s。 注意灰度卡上最暗部两处灰度不太容易区分，有一点点欠曝。也就是说当被摄物为白色物体或反射率高过18％时，它所给出的测光值比实际值就会偏小，也就是曝光可能会不足，白色拍成了灰色。这时要想曝光结果更合理些，就应该加补偿，使白色更接近白色。下图是在上面基础上+0.7EV（+2格）所得结果，光圈F7，快门1/550s。： 加2格补偿后，暗部细节比刚才增加，亮部细节依然保持，基本达到了图A1的程度。再把原来的图片中间部分代之以黑色（R:G:B=25:25:25）填充：输出再拍一次，参数：光圈F7，快门1/26s。 显然上图最亮部到中间段的细节全部损失了，这就是大家常说的过曝。也就是说当被摄物为黑色物体或反射率低过18％时，它所给出的测光值比实际值就会偏大，也就是曝光会过度（黑色拍成灰色）。这时要想曝光结果更合理些，就应该减补偿，使黑色更接近黑色。下图是在上面基础上–2EV（–6格）所得结果，光圈F7，快门1/100s。减6格补偿后，相对来说亮部细节比刚才明显增加，但最亮部分的细节还是损失较大，要想得到更好的结果，只能通过手动M档再调小快门速度，因为刚才已经达到相机减补偿的极限。再看看富士FinePixS602的说明书上是怎么说的：曝光调节特别有效的拍摄对象：一、曝光指示器向+方向移动：印刷内容的拷贝（白纸黑字）+4格（+1.3EV）；逆光肖像+2至+4格（+0.7至+1.3EV）；很明亮的场景（如雪景）和反射很强的拍摄对象+3格（+1EV）；主要以天空构成的照片+3格（+1EV）。二、曝光指示器向–方向移动：聚光灯下的拍摄对象，特别是在黑暗背景下–2格（–0.7EV）；印刷内容的拷贝（黑纸白字）–2格（–0.7EV）；反射能力很低的场景，如拍摄松树或暗叶–2格（–0.7EV）。根据前面的理解大家知道上面这段话只能作参考，因为在不同的测光方式下，需要做曝光补偿的程度也可能有很大差别，而上面这段话只字未提测光方式的选择。下面我们再看一个实例：拍摄对象是黄庭坚抄写的金刚经碑帖中的一页，黑底白字，用中心测光方式（这种情况用三种测光方式得到的结果应该是一样的），拍摄参数：光圈F10，快门1/3s。 这种灰度分布阶数很少的场景拍摄难度较小，很容易获得所有细节，只不过上图看到的效果整体偏亮，和我们的实际感觉有较大的差距，为此–5格（–1.7EV）得到下图，感觉更接近实际景物（上图通过后期处理也能很容易达到这个效果，因为基本的细节都有了）。 以上是几个比较极端的例子，实际应用时情况千差万别，不好一概而论。就目前技术角度来说，一般数码相机拍摄时所获取图像的色彩及灰度的宽容度远小于自然景物环境的宽容度，因此实际拍摄时景物的明暗宽容度如果小于或等于数码相机所能获取的宽容度时还比较容易，但如果实际景物的明暗宽容度大于相机所能获取的宽容度时处理起来就比较麻烦了。考虑到多数朋友都要对所拍的图片进行后期的数码处理，因此我们通过曝光补偿调整快门光圈组合要达到的目的应该是尽可能地获得更多的细节，尤其是暗部和亮部细节的兼顾和平衡。也就是说实际拍摄时一幅构图中的最亮处和最暗处是相对的，合理的曝光补偿应该建立在这基础上，当测光采样的部分的亮度偏向最亮处时需加补偿，而测光采样的部分的亮度偏向最暗处时则要减补偿，当然追求特殊构图效果者除外。下面看几个室外的实例。场景一：  F3.6，1/160s  此场景中心测光采样的部分是剑兰背光的叶子，几乎是整个构图中最暗的部分，因此整个图片明显过曝，需要减补偿。–3格（–1EV）后得到下图：F2图片,F3.6，1/320s： 显然细节比刚才多了，但近处的路面和远处的楼顶还是缺乏细节，–5格（–1.7EV）再看：F3图片  F3.6，1/550s： 这张和前面两张比较，基本再现了大多数细节，所以F1这种情况–5格（–1.7EV）可能比较合适。再看另外一种例子：G1图片  F10，1/680s： 中心测光采样的部分是天空中的白云，是整个构图中偏亮的部分，造成下方的建筑偏暗，近处的树木欠曝，没有细节，需要加补偿。+3格（+1EV）后得到下图：G2图片  F10，1/340s：这次中间建筑比刚才亮了，树木的基本细节也表现出来了，天空云的细节也表现良好，所以G1这种情况+3格（+1EV）可能比较合适，有人可能觉得树木还有些偏暗，再加补偿时就要慎重考虑，注意不要丢失天空中云的细节。 通过上面的实验我想各位菜鸟朋友们对曝光补偿差不多已经有了一个基本的认识，尤其在实践中应该加补偿还是减补偿已经比较清楚了，不过具体加减的量恐怕不好一概而论，这需要个人在实践过程中逐步总结经验才能熟练掌握并应用好，在此只能再提醒大家：在搞清测光原理的基础上想象一下18%的灰度在从白（0%）到黑（100%）的灰度分布中的相对位置。这18%灰度在从白（0%）到黑（100%）的灰度分布中的位置离白的这端很近，离黑的那端相对较远，这一点请大家在考虑具体加减的量时注意。友情提示：1.由于数码相机拍摄时的宽容度比胶卷的要差很多，所以同样情况下要求数码相机拍摄时的曝光补偿的量更精确，比胶卷补偿的余地校2.前面讨论的只是一般情况下的规律，有时适当的反其道而行之可以获得特殊效果的影像。3.个别光线较暗的场合下，适当利用曝光补偿（–EV）可以缩短快门速度，提高拍摄成功率，当然代价是可能欠曝，需要后期处理。4.有些特殊场景下合理选择测光方式可以避免曝光补偿。5.很多相机提供曝光锁定（AE-L）功能，很多情况下结合点测光善用AE-L（曝光锁定）可以避免曝光补偿。下面看看六叔作品集（富士602）之人像篇中的一幅图片，希望六叔同志不要介意。 注意上图如果没有裁切的话，由于曝光补偿为0，如果点测光区域在图片中心的话是不可能直接拍出这种剪影效果的，如果没有后期处理的话，估计是先对图片中较亮的天空部分测光，然后用曝光锁定（AE-L）功能重新构图得到的效果。到这儿我要说的话基本差不多了，想我进入富士区一周年了，近一年来富士区的各位斑竹、资深以及色友们给了我很多无私的帮助和指导，使我伴着富士区一起成长。上述有关曝光补偿的内容构思了很长时间，中间变动了若干次，一直懒于写出来，因为码字儿对我来说实在是痛苦，这几天写出来正赶上论坛改版，贴出来算是祝贺，也算我加入PCHOME一周年纪念，希望对大家尤其是像我一样的菜鸟朋友们能有所帮助，不知大家能否接受？当然由于所谓的正确曝光有很大的主观性（实际上摄影艺术本身就有很大的主观性），所以在很多问题的理解上不一定非得有唯一解，再加上本人只是菜鸟一个，有些专业概念的描述不一定准确，故以上部分内容纯属个人信笔胡言，内容如有错误和不妥，请俱乐部各位斑竹、资深会员、色友们大肆砍砖！