中西绘画艺术用色理念初探

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1、中西绘画艺术用色理念初探　　一引言　　众所周知，中西方绘画艺术各具特色，自成体系，在审美理念、表现方法和观察方法等方面都存在着巨大差异。深入研究中西方绘画艺术各自的用色理念，可以进一步理解不同民族、不同地域的绘画形式，对我们的艺术实践提供巨大的启发意义。　　如今，世界一体化的进程不断推进，中西方文化彼此交融的力度不断加大，在中西方文明不断碰撞的新时期背景下，我们要客观认识中西方绘画艺术的用色理念，汲取西方绘画用色理念的独到之处，并与我国绘画艺术有机结合，形成新的创作形式。　　二中西绘画艺术的用色理念　　（一）

2、中国绘画艺术的用色理念　　不管是在立意、造型方面，还是在笔墨、色彩方面，中国传统绘画都有着鲜明的特点，其侧重于体现物体的神韵与气韵，有的以线条作为主要的表现形式，有的以纯粹的墨色浓淡变化体现艺术形象。从整体角度而言，中国绘画艺术的用色理念从以下三点可见一斑：　　1随类赋彩：设色法则的具体应用　　在我国画坛史上，随类赋彩是不可不提的设色法则，它对中国绘画色彩理论有着深刻的影响。这个法则由南齐谢赫在《古画品录》中首次提出，旨在解决绘画的色彩问题。顾恺之在《画云台山记》中设计景观色彩的方法就是随类赋彩。站在理论角度

3、而言，随类赋彩强调类型化用色，类似于西方绘画使用的固有色。然而在现实中运用时，随类赋彩又具有意象化、平面化和装饰化的作用。　　考究中国绘画的形与色，可以发现它们都经过了意象加工，即不是对自然界真实形象的直接摹写，而是画者通过用心观察，将积淀在心中的色彩印象进行主观过滤，保留最主要的特征，省略其他非本质性的细枝末节。比如画家在描绘花朵时，一朵花的每片花瓣，不管其处于哪个层次，基本都是只用一种色彩进行从深到浅、从里到外地渲染。同时还改变了那些不能使画面形成和谐感的色彩，比如菊花的花蒂与花瓣不是同一种色彩，但是画家

4、将其处理成较为统一的黄绿色，这就是随类赋彩的具体应用，可以使中国画的形与色更加明确。　　2色墨相映：主观配置思想的具体体现　　一直以来，中国绘画都强调色墨相映。但是两者的地位是不一样的。墨作为线条应用，旨在勾勒轮廓。秦始皇宫殿壁画、魏晋南北朝的墓室与石窟壁画、唐朝的石窟壁画，都可以看见墨色的具体应用情况。比如以唐朝的莫高窟壁画为例，线条的应用自由灵活，人物面部只靠线条勾勒，但是却栩栩如生，有神的双眸、紧锁的眉头，神情姿态十分自然，而整个画面只是略施色彩，几乎可以忽视不计。这一时期的中国绘画主要依靠墨色线条做造

5、型，色彩的位置没有被凸显出来。之后，唐岱在《绘事发微》中指出：“以色助墨光，以墨显色彩，要之墨中有色，色中有墨。”这就指出了色彩与墨线的相互依存性。自此之后，中国绘画，不管是山水画、花鸟画亦或是人物画，都开始强调色墨相映。画家先用墨线勾勒出造型，然后在施以色彩，这些色彩有时候是纯黑的，有时候是五彩的，色彩运用有干有湿，有浓有淡，并强调敷色时尽量不要掩盖线条，这样方能凸显色彩之秀美。在中国绘画中，色与墨的灵活搭配，使得画家在作画时更加无拘无束。　　（二）西方绘画艺术的用色理念　　西方绘画艺术的用色理念也独具特色

6、，体现在以下两点：　　1固有色的绘画方式――夯实西方美术的基础　　所谓固有色，即物体在白色阳光下呈现出来的色彩效果的总和。从理论学角度来说，固有色是指物体固有的物理属性在常态光源下体现的色彩原貌，故固有色又被称之为本色，比如雪是白的、血是红的、天是蓝的、头发是黑的等，这都是固有色的具体体现。纵览整个西方美术史，西方画家在描绘艺术形象时，基本使用的是固有色。不管是中世纪最后一个画家乔托，还是文艺复兴时期的“三杰”巨匠，亦或是巴洛克时期的鲁本斯、维米尔，在他们的画面中都可以看到固有色的存在。　　有人认为西方绘画的

7、“固有色”应用与中国绘画的“随类赋彩”有相似之处，其实不然，两者反而有着本质性区别。在西方绘画中，虽然对物体的称谓也有着一定的概括性，但是画家在具体描绘时会发现，每朵花或叶的色彩都不尽相同，它们有正面受光，也有侧面受光，所以花与周围环境色的关系各有不同，导致每朵花以及每朵花的各个部分的色彩各有特点。　　可以说，在印象派诞生之前，西方绘画一直追求着对客观物体的真实再现，强调写实的造型与逼真的效果，这就促使西方绘画与中国绘画有着显著差别。　　2光与色的新发现――西方绘画创新的新依据　　欧洲文艺复兴之后，英国科学家

8、牛顿进行了一系列科学实验，揭开了光色关系的神秘面纱。他将一间房布置得一片漆黑，只在窗户上开出一条小缝让阳光射进来，并使之通过一个三棱镜，这时候在对面墙上就会出现一条七色光带，有红橙黄绿青蓝紫七种颜色。由此，西方人对光色有了更进一步的了解。之后，西方有关色彩的理论体系逐渐完善，对西方绘画产生了巨大影响。从19世纪开始，西方绘画的色彩更加鲜丽明亮，印象派出现之后，色彩更是发生了根本性变革。“光源色”和“